11 artistas contemporáneos que trabajan en fotografía abstracta

La relación entre fotografía y abstracción se remonta a los albores de la forma. Ejemplos notables de esto incluyen los primeros cianotipos, las “Rayografías” de Man Ray, los fotogramas de László Moholy-Nagy, la macrofotografía de Aaron Siskind y muchos otros. Y hoy, la tendencia de la fotografía abstracta continúa en todo el mundo; Los creadores de imágenes producen trabajos que incorporan una amplia gama de procesos y uso del color, y a menudo incorporan la estética que esperamos de la pintura.

En un mundo donde las imágenes se pueden tomar y compartir en cualquier lugar en un abrir y cerrar de ojos, es comprensible que estos artistas adopten aspectos más complejos de la fotografía, aquellos que no pueden vivir dentro de un teléfono. Más bien, se trata de imágenes que requieren una multitud de procesos, capas físicas o conceptuales y complejidad. Aquí, echamos un vistazo a algunos fotógrafos contemporáneos interesantes que utilizan este medio para trabajar en abstracción, abarcando todo, desde el mundo natural hasta la arquitectura y más.

De un vistazo, el trabajo de la artista estadounidense Liz Nielsen evoca un cruce entre vidrio marino y piedras preciosas con sus atrevidos tonos de joyas en formas abstractas e inspiradas en la naturaleza. La propia Nielsen se refiere a ellas como pinturas de luz y a ella misma como “una fotógrafa cuyo medio es la luz”. En realidad, sus imágenes no están tomadas con una cámara, sino “en el cuarto oscuro de color analógico, exponiendo papel sensible a la luz y procesándolo mediante la química del color tradicional”, escribió.

Siguiendo los pasos de Man Ray, Moholy-Nagy y otros, le da un nuevo giro al fotograma experimentando con colores llamativos. Para un negativo, crea un collage de geles que luego se proyectan sobre un papel cromogénico negativo; de ahí surge su apasionante paleta, cuando los colores se invierten en su proceso de revelado. Es curiosa y está inspirada por la física, la teoría del color, la filosofía y el movimiento de la luz dentro y fuera del cuarto oscuro, cuyas interpretaciones visuales están presentes en su trabajo.

Atravesando sus alrededores en Maine y Nueva Jersey, el artista estadounidense Bryan Graf crea manipulaciones fotográficas de la naturaleza y el espacio para comentar tanto la elegancia como la destrucción. Dentro de sus imágenes hay hojas y proyecciones de luz, pantallas y fotogramas, todos los cuales plantean preguntas sobre el lugar y sus significados.

A veces, crea imágenes exponiendo películas a propósito; otras veces mediante manipulación digital; a veces ambas cosas a la vez. Es tanto una investigación de los procesos fotográficos alternativos clásicos como una aceptación de lo nuevo. Dentro de todo esto, Graf dijo una vez, “la tensión positiva entre la experiencia de un lugar, el impacto emocional que tiene sobre nosotros y las interpretaciones asociativas que influyen en la representación del paisaje impulsan mi trabajo”. Dado que las meditaciones sobre el medio ambiente también funcionan como metáfora del crecimiento, tanto literal como figurado, ve su práctica, ha dicho, como "una investigación óptica de la naturaleza plural de la realidad".

A lo largo de su carrera, el artista finlandés Niko Luoma ha experimentado con muchos procesos alternativos de la fotografía, ya sea exposición múltiple, manipulación de la luz, collage u otros. Al mismo tiempo, está interesado en abordar y rendir homenaje a la historia de la fotografía.

En su serie fotográfica “Adaptaciones”, por ejemplo, reimagina obras clásicas de la historia del arte en su propio estilo experimental. En su obra, Desnudo descendiendo una escalera (1912) de Marcel Duchamp, por ejemplo, se convierte en una colorida celebración geométrica; Peter Getting Out of Nick's Pool (1966) de David Hockney se convierte en un collage abstracto de formas y colores que hacen referencia al original.

La serie más reciente de Luoma, “Illusion of Now”, presenta múltiples exposiciones de luz coloreada capturadas en un solo negativo, todas entrelazadas pero intencionalmente sin un comienzo ni un final claros. "No existe una única forma de percibir estas imágenes, ya que pueden comenzar en cualquier lugar y no tener fin", escribió. “Son experimentos sistémicos donde lo negativo se convierte en un registro para su propia realización”.

“Comienza con una fotografía o un fragmento de una fotografía: tal vez los faros de un automóvil o la luz del sol entrando por una ventana”, ha escrito la artista británica Christine Wilkinson sobre su trabajo. Luego, manipula digitalmente la imagen para difuminarla, “reduciéndola simplemente a píxeles aleatorios para usarlos como materia prima”. Lo que más le interesa es el proceso: cómo esa reducción perpetua crea una nueva forma.

Cada imagen presenta una multitud de manipulaciones y medios, ya sea un escáner, una cámara digital, software de fotografía o incluso un lápiz. E incluso después de varias rondas de maquinación, las obras son imponentes y audaces en su abstracción y minimalismo: grandes franjas de colores y matices se convierten en vacíos fascinantes y desconcertantes. Sus obras, que viven en la intersección de la pintura y la fotografía, implican experimentaciones abstractas con la forma, la luz y el color. “La luz se convierte en forma”, escribió. "Forma sin sustancia, que existe sólo como una instancia de color y luz".

Pedro Correa, Niña de pie junto al mar, de la serie “Impresiones Urbanas”, 2015–20. Cortesía del artista.

Pedro Correa, Cuando el último árbol, de la serie “Impresiones urbanas”, 2015–20. Cortesía del artista.

Según su propia descripción, como hijo de un pintor, Pedro Correa ha infundido en su fotografía un aprecio y una inspiración en el impresionismo. De hecho, la estética pictórica aparece con frecuencia en sus imágenes, que deliberadamente no son manipuladas digitalmente. Más bien, llegan puramente desde detrás de la lente: momento decisivo y enfoque alternativo al mismo tiempo.

Correa está profundamente interesado en la vida urbana específicamente, y a lo largo de su obra busca encontrar, como escribió una vez, “la sutil presencia humana que emana de los paisajes urbanos” (a la vez Claude Monet y Lee Friedlander). Los rayones, las mamparas o la lluvia en una ventana pasan a ser parte de su lente, a su manera pinceladas sobre un lienzo.

Captar un momento como fotógrafo es tan importante para Correa como las emociones que emana, una cualidad que considera similar a la de los impresionistas. Mientras obtenía un doctorado en procesamiento de imágenes, Correa aprendió, escribió, “que al eliminar información racional de una imagen se podría en realidad atenuar la actividad cerebral y mejorar las emociones del espectador (creando una experiencia más personal con la obra de arte)”. Esto continúa inspirando su trabajo hoy.

La artista mexicana Fabiola Menchelli ha dedicado su práctica artística a trabajar dentro de la abstracción fotográfica, probando el medio para ver cuáles son sus posibilidades y límites. La obra, ha escrito, “busca ampliar las formas de mirar a través de la fotografía, sus historias y sus procesos, y su gravitación sobre la realidad”.

En una serie reciente llamada “Dark Moves”, Menchelli amplió su trabajo de fotogramas a piezas escultóricas, imprimiendo imágenes en acero inoxidable que luego doblaba en el cuarto oscuro, “doblando el papel fotográfico y exponiéndolo a varios filtros de color, a veces solarizando las impresiones”. en el baño de revelado, llevando la imagen al límite”, dijo más tarde. La serie es totalmente improvisada, destinada a desviarse de las ideas de lo que debería ser una imagen, incluso una imagen abstracta de su propia creación. Conserva su dedicación característica al color y la forma experimentales, desafiando siempre la comprensión tanto de nuestros propios ideales sobre la fotografía como de la premisa de lo que una imagen puede llegar a ser física, química y estructuralmente.

A lo largo de su carrera, la artista nacida en Rusia Galina Kurlat ha recurrido a procesos fotográficos históricos para realizar su trabajo. Su práctica a veces vive dentro del mundo más concreto del retrato, pero también abraza lo abstracto. El trabajo de Kurlat siempre se relaciona con nociones de “identidad, intimidad e incertidumbre”, ha explicado, ya sea documentando dichos temas directamente o creando rastros poderosamente siniestros de ellos. Esto ha incluido de todo, desde Polaroids desgastadas hasta impresiones coloides húmedas.

En su trabajo más reciente, una serie llamada “Vestiges”, Kurlat produce fotogramas luminosos abstractos utilizando su propia saliva, leche materna, aliento o sangre, además de fotoquímicos tradicionales. En la obra, ha escrito, “la forma femenina, que está sujeta a un ataque de presión social y cosificación, desafía la representación convencional, apareciendo como marcas y alteraciones superficiales en el papel fotográfico”.

En tonos ciruela, rosa, naranja, melocotón, amarillo y blanco, la serie continúa su dedicación a conectarse con su trabajo, ampliando los límites de lo que puede ser la fotografía y deleitándose con sus debilidades y debilidades.

El trabajo del artista australiano Paul Snell está repleto de colores vibrantes y atrae a los espectadores con tonos llamativos. Pero su trabajo es mucho más que colores vivos. Elaborados a partir de imágenes que luego se manipulan digitalmente hasta el color y la forma, se convierten, como ha dicho Snell, en su propia nueva realidad, una que utiliza su imagen original para crear una experiencia completamente diferente.

Para Snell, esa experiencia puede existir en círculos concéntricos eléctricos, flujos parecidos a una puesta de sol o la duración de un cuadro saturado. Se trata al mismo tiempo de conexión y desconexión, de construcción y deconstrucción. "El trabajo investiga la transformación de los modos de producción fotográfica y la manipulación y explotación de datos para inventar nuevas formas visuales", escribió Snell. “Al repetir, emparejar, superponer, invertir y secuenciar rítmicamente a través de las investigaciones de relaciones de colores específicas, busco una comprensión sensorial del objeto físico”.

La artista estadounidense Teresa K. Morrison ha creado una serie de fotografías sin lentes como impresiones a la albúmina o en un estilo de fotograma llamado quimiogramas. Utilizando objetos naturales encontrados como malezas, hierbas, hojas y miel, Morrison sumerge los objetos en revelador o fijador y luego los coloca sobre papel fotosensible en el cuarto oscuro. Curiosamente, el artículo tiene entre 30 y 100 años, y Morrison dice que siente curiosidad y entusiasmo por la aberración y la sorpresa de todo esto: "Lo considero una colaboración con el periódico", dijo.

Los temas, como la acedera, el centeno, la lechuga amarga y el diente de león, se encuentran a menudo en su jardín. En el papel, adquieren una variedad de tonos claros y oscuros, todos alimentados por la edad, la composición y la reacción del papel a los procesos. “Que cada uno de nosotros desafíe los entornos de fábrica y la negligencia depreciativa para encontrar un propósito y una expresión inimaginables”, escribió en Instagram con motivo del nuevo año: una filosofía fotográfica con implicaciones de largo alcance, por decir lo menos.

En la obra de Francisco Tavoni hay una danza entre lo real y lo imaginado, entre la luz y la estructura, entre el color y el calor. El artista de origen venezolano reside actualmente en Australia y, según su propia descripción, “utiliza la fotografía como una forma de comprender colectivamente el poder del afecto”. Se trata de afecto por el propio hogar, entre individuos, dentro de uno mismo.

En última instancia, busca autenticidad y, en esa búsqueda exploratoria, crea imágenes utilizando cuerpos y telas, ocultando su identidad para crear una imagen más fuerte de una humanidad unida con imágenes cromogénicas impresas en algodón. Cada imagen utiliza procesos alternativos, “filtros de lentes de colores, sedas transparentes con capas estampadas y luces estroboscópicas de colores”, dijo una vez Tavoni.

Su relación con su trabajo es en parte un reflejo de una vida pasada trabajando en la moda, donde Tavoni comenzó a comprender la poderosa relación entre el color y la tela y, más tarde, la luz, así como una vida bailando en clubes.

El artista fotográfico holandés Luuk de Haan ha estado creando una obra única (literalmente, ya que solo hay una de cada una de sus impresiones) que vive en la intersección de la geometría y la fantasía. Como escribió el escritor Derek Horton, las imágenes de De Haan "son documentos de su propia creación en lugar de un registro de un mundo fuera de la fotografía".

Cada una de las imágenes de De Haan revisita los procesos alternativos de la fotografía analógica junto con la manipulación digital, a la vez un uso de hardware y software: fotografía una estructura digital que crea en la pantalla con cámaras analógicas. Compositor además de artista, de Haan está influenciado por artistas como Ellsworth Kelly, sí, pero también por Steve Reich, siempre cultivando tanto el espíritu como la presencia del minimalismo. El trabajo resultante es a la vez vibrante y elegante, misterioso e intrincado, “en algún lugar entre el presente y la desaparición”, como escribió una vez el escritor Vince Aletti en The New Yorker.